Porque ver

CAPAS CUSTOMIZADAS QUE FIZ

2011-08-07T16:31:00.000-07:00

Estas são algumas das capas que eu fiz para os DVDs importados (ou raros) da minha coleção. Como todo colecionador, eu curto ter os filmes com o estojo e a sua respectiva capa. E por eu ser DESIGNER eu resolvi customizar as capas para o Português, como se o DVD tivesse sido lançado aqui. Dá um trabalhão, mas vale a pena quando a gente vê o filme com a capa e o estojinho perfeitos...

Quem quiser baixá-las em alta resolução basta clicar na capinha que a imagem em tamanho real aparecerá. Fiquem à vontade para darem suas opiniões...

"QUARTETO FANTÁSTICO". Capa para estojo de DVD feita a partir do DVD importado
Título no Brasil: Quarteto fantástico, o filme
Título Original: Fantastic Four
Mídia (Formato): DVD a partir do DVD importado / Colorido
Distribuição (Selo): Nunca foi distribuído
Diretor: Oley Sassone
Elenco: Alex Hyde-White e Rebecca Staab
Duração: 99 min.
Ano: 1994
País: EUA
Gênero: Aventura
Sinopse: O filme jamais lançado sobre os famosos personagens da Marvel. O "Quarteto Fantástico" produzido em 1994 pelo lendário rei dos filmes "B" Roger Corman foi vetado pela Marvel pouco antes de sua estréia e jamais chegou a ser exibido oficialmente. A história, muito semelhante à da moderna adaptação para os cinemas, segue a tragetória de Reed Richards e Victor, dois jovens cientistas que partilhavam o sonho de dominar os misteriosos raios cósmicos. Com o fracasso da experiência, Reed, Sue, Johnny e Ben são expostos à radiação cósmica e se transformam no Quarteto fantástico, adquirindo poderes incríveis.

"CREEPSHOW- ARREPIO DO MEDO". Capa para estojo de DVD feita a partir do import

Título no Brasil: Creepshow- Show de Horrores (Arrepio do medo)

Título Original: Creepshow

Mídia (Formato): DVD a partir do DVD importado R-1 com leg. em português inseridas

Distribuição (Selo): Warner

Diretor: George A. Romero

Elenco: Hal Holbrook, Adrienne Barbeau, Leslie Nielsen, Stephen King

Duração: 120 min.

Ano: 1982

País: EUA

Gênero:Terror

Sinopse: Cinco contos de terror. Dia dos Pais - Sete anos depois de ter assassinado seu pai, Bedelia visita o túmulo do velho, que volta das trevas para cobrar uma antiga dívida. A Morte Solitária de Jordy Varrill - um caipira azarado encontra um meteoro um sua fazenda. O que era pra ser sua redenção, acaba se tornando sua ruína depois que ele toca o objeto e contrai uma misteriosa infecção. Encaixotado - um professor universitário encontra uma caixa antiga na faculdade, onde se encontra um misterioso animal. Algo Para Segurar Você - um casal de adúlteros sofre nas mãos do sádico marido traído. Eles Estão Rastejando Para Cima de Você - Sr. Pratt, um sujeito desagradável e mau-humorado, precisa lutar em seu luxuoso apartamento contra uma infestação de baratas.

"VALE DA MORTE". Capa para estojo de DVD feita a partir do VHS Brasileiro da AmericaVideo

Título no Brasil: Vale da Morte
Título Original: Biohazard
Mídia (Formato): DVD a partir do VHS / Colorido
Distribuição (Selo): America Video

Diretor: Fred Olen Ray
Elenco: Aldo Ray, Angelique Pettyjhohn
Duração: 84 min.
Ano: 1985
País: EUA
Gênero:Terror

Sinopse: Cientistas realizam experiências com uma mulher paranormal em um laboratório militar no meio do deserto. Durante um dos experimentos, um sarcófago de outra dimensão se materializa no local, e do seu interior escapa uma criatura alienígena. Perseguido pelos soldados e por agentes especiais, o monstro deixa um rastro de horror e mortes pela cidade.

"PURGATÓRIO". Capa para estojo de DVD feita a partir do Importado.

Título no Brasil: O Purgatório
Título Original: Purgatory
Mídia (Formato): DVD a partir do importado R-2 / Com leg. em português (portugal)
Distribuição (Selo): Nunca lançado no Brasil, uma produção da TNT.

Diretor: Uli Edel
Elenco: Sam Shepard, Eric Roberts
Duração: 94 min.
Ano: 1999
País: EUA
Gênero: Faroeste

Sinopse: Recém aceito na gangue do famoso Blackjack, o jovem e ingênuo Sonny, durante uma fuga com o bando, vai parar numa estranha cidade chamada Refúgio. Lá, o xerife não usa mais armas, e mesmo sendo duramente hostilizados pela gangue, os cidadãos não esboçam nenhuma reação. Sonny descobre que se trata de um lugar onde famosos ex bandidos tem que ficar durante dez anos sem cometer nenhum ato de violência, para que sejam perdoados e possam ir para o céu. Porém, a gangue está sedenta por sangue, e se os moradores não reagirem serão mortos. Se reagirem vão para o inferno!

"VIDAS SEM RUMO". Capa para estojo de DVD feita a partir do Importado.

Título no Brasil: Vidas sem Rumo

Título Original: The Outsiders

Mídia (Formato): DVD a partir do importado R-1 / Com leg. em português (BR)

Distribuição (Selo): Nunca lançado no Brasil.

Diretor: Francis Ford Coppola

Elenco: C. Thomas Howell e Matt Dillon

Duração: 92 min.

Ano: 1983

País: EUA

Gênero: Drama

Sinopse: Em um subúrbio da pequena cidade de Tulsa, Oklahoma, Ponyboy Curtis (C. Thomas Howell) é o caçula de uma turma, formada ainda por Darrel Curtis (Patrick Swayze) e Sodapop Curtis (Rob Lowe). Os três órfãos tentam sobreviver onde tudo se restringe a "mexicanos pobres" e "ricaços". A trinca descende de mexicanos, amarga empregos em postos de gasolina e sofre com a perseguição da polícia. Também fazem parte da gangue Dallas Winston (Matt Dillon) e Johnny Cade (Ralph Macchio), ainda um projeto de marginal. Eles tentam vencer e amadurecer enfrentando os ricos, mas nem tudo acontece como eles planejam. Os acontecimentos são vistos pela ótica Ponyboy, que gosta de poesia e "...E o Vento Levou".

"A PRINCESA MONONOKE". Capa para estojo de DVD feita a partir do Importado.

Título no Brasil: A Princesa Mononoke

Título Original: Mononoke-hime

Mídia (Formato): DVD a partir do importado R-1 / Com leg. em português (BR)

Distribuição (Selo): Nunca lançado no Brasil.

Diretor: Hayao Miyazaki

Elenco: Yôji Matsuda e Yuriko Ishida

Duração: 134 min.

Ano: 1997

País: JAPÃO

Gênero: Animação

Sinopse: O guerreiro Ashitaka é atacado por um demônio que acaba o infectando com uma maldição. Assim, este viaja para as terras de um outro clã para compreender o mal que lhe aflige. Nestas terras se depara com a luta entre humanos e os deuses da floresta, e a princesa Mononoke, que fora criada por lobos.

"RAPOSA DE FOGO". Capa para estojo de DVD feita a partir do Importado.

Título no Brasil: Raposa de Fogo

Título Original: FireFox

Mídia (Formato): DVD a partir do importado R-2 / Com leg. em português (Portugal)

Distribuição (FOX): Nunca lançado no Brasil em DVD.

Diretor: Clint Eastwood

Elenco: Clint Eastwood

Duração: 137 min.

Ano: 1982

País: EUA

Gênero: Aventura

Sinopse: Mitchell Gant (Clint Eastwood) é um piloto americano aposentado, que foi abatido e se tornou prisioneiro na Guerra do Vietnã, lhe gerando traumas de guerra. Por ser filho de russos recebe como missão roubar o "Firefox", o mais avançado caça já fabricado e criado pelos soviéticos. Ele é enviado para a Rússia, mas há um problema: as ordens para comandar a aeronave são dadas por pensamento, mas é necessário que se pense em russo.

"ALLIGATOR- O JACARÉ GIGANTE". Capa para estojo de DVD feita a partir do Importado.

Título no Brasil: Alligator- O Jacaré Gigante

Título Original: Alligator

Mídia (Formato): DVD a partir do importado R-1 / Com leg. em português (BR)

Distribuição: Nunca lançado no Brasil em DVD.

Diretor: Lewis Teague

Elenco: Robert Forster e Robin Riker

Duração: 91 min.

Ano: 1980

País: EUA

Gênero: Terror

Sinopse: Família volta da Flórida para Chicago trazendo um filhote de jacaré. O pai, querendo se livrar do problema de criar o réptil, joga o filhote na privada. Ele sobrevive e, nos esgotos, alimenta-se de lixo radiativo, tornando-se um monstro gigantesco que sai às ruas da cidade fazendo vítimas.

"O GAROTO DO FUTURO". Capa para estojo de DVD feita a partir do Importado.

Título no Brasil: O Garoto do Futuro

Título Original: Teen Wolf

Mídia (Formato): DVD a partir do importado R-1 / Com leg. e dublagem em português (BR)

Distribuição: Nunca lançado no Brasil em DVD.

Diretor: Rod Daniel

Elenco: Michael J. Fox e James Hampton

Duração: 91 min.

Ano: 1985

País: EUA

Gênero: Comédia

Sinopse: Comédia fantasiosa que traz Michael J. Fox como o adolescente que vem de uma família de lobisomem. Primeiro ele esconde o segredo de todos, mas depois torna-se o garoto mais popular da escola. Filme lançado com esse inusitado nome aqui no Brasil devido ao grande sucesso do filme "De Volta para o Futuro".

"GÊMEOS - MÓRBIDA SEMELHANÇA". Capa para estojo de DVD feita a partir do Importado.

Título no Brasil: Gêmeos - Mórbida Semelhança

Título Original: Dead Ringers

Mídia (Formato): DVD a partir do importado R-2 / Com leg. em português (BR)

Distribuição: Nunca lançado no Brasil em DVD.

Diretor: David Cronenberg

Elenco: Jeremy Irons e Geneviève Bujold

Duração: 116 min.

Ano: 1988

País: Canadá / EUA

Gênero: Drama

Sinopse: Gêmeos idênticos compartilham tudo na vida, desde namoradas até a clínica em que trabalham como ginecologistas. Tudo vai bem até o dia em que o mais tímido deles se apaixona por uma paciente.

“VÁ E VEJA” (Rússia-1985)

2011-05-08T18:30:00.000-07:00

"Quando abriu o quarto selo, ouvi a voz do quarto ser dizer: Vá e veja! E olhei, e eis um cavalo amarelo, e o que estava montado nele chamava-se Morte; e o Inferno seguia com ele; e foi-lhe dada autoridade sobre a quarta parte da terra, para matar com a espada, e com a fome, e com a peste, e com as feras da terra."

Apocalipse 6:7,8

"Vá e Veja" de Elem Klimov (Idi i Smotri-1985) mostra uma das zonas de guerra mais terríveis da história humana: a ocupação nazista da Bielorrússia. A história é vista através dos olhos de um adolescente em uma jornada vertiginosa, da inocência à loucura. E não é à toa que os especialistas o julgam o maior filme de guerra já feito.

A princípio eu não me atreveria a escrever sobre esse filme icônico, mas fiquei tão fascinado por ele que fui compelido a fazê-lo.

A brutalidade e o horror da II Guerra Mundial continua a fascinar por muitas razões. A luta na Europa Oriental, que era um grande teatro da batalha realizada à sombra do Holocausto, foi uma guerra de vontades entre dois dos maiores exércitos do continente, mas também entre os dois déspotas mais hediondos da história. Mas a atração real vai além de batalhas, e além de Hitler e Stalin.

Essa guerra fascina por causa de sua grande tragédia: mais de 30 milhões de pessoas mortas e seus resultados inflamaram a guerra fria e moldaram a região nos 50 anos seguintes. O heroísmo e o sofrimento por parte do povo russo e os dos países ocupados da Europa Oriental gerou inúmeras imagens horríveis, tão chocantes quanto o Holocausto.

Este filme, diferente de muitas produções que romanceiam a guerra, busca a visão da testemunha ocular dos eventos, um olhar incômodo no coração do horror. Apesar de quase documental em sua forma, o filme é sobretudo uma história de amadurecimento, onde o menino Florya (interpretado de forma soberba por Alexei Kravchenko), de 13 anos de idade, é forçado a testemunhar os horrores da invasão nazista.

O filme começa quando Florya está vivendo com sua família na Bielorússia. As primeiras cenas mostram ele e outro menino escavando a areia de um antigo campo de batalha à procura de rifles perdidos. No imaginário das duas crianças, esses “tesouros” são o passaporte para uma vida melhor: entrar para o exército. O pai de Florya, irritado com as obsseções do filho quanto à guerra, o repreende inúmeras vezes para que “páre de cavar” (a procura dessas armas).

Então um grupo de combatentes da resistência chegam para recrutar homens da aldeia para ajudá-los a lutar contra os nazistas invasores. Embora Florya queirar ir, sua mãe tenta de todos os meios impedí-lo, já consciente das atrocidades que o filho poderá assistir.

Cheio de idealismo e sonhos românticos sobre o guerra, o menino se junta aos combatentes e a princípio tudo se parece com o que ele esperava. Mas essa calmaria é apenas um logro para o que se segue. A guerra chega ao acampamento sem aviso, sem tempo para reação. Tudo explode e a realidade que o menino conhecia também é destroçada. Uma bomba torna-o surdo, e um zumbido ecoando em seus ouvidos se torna uma parte constante na trilha sonora do filme a partir de daí...

Vagando pela floresta arrasada, Florya encontra Glascha (Olga Mironova), uma bela adolescente.

Eles formam então um par improvável, e ele decide levá-la de volta parasua aldeia. Mas a mãe e as irmãs de Florya não estão na casa e os dois fogem para os pântanos, na esperança de encontrar os moradores da aldeia.

A corrida de Florya é uma tentativa de fugir da realidade brutal do que se passou na aldeia, obviamente massacrada pelo exército alemão.

A fuga é inútil e a verdade chega inevitavelmente até ele, e junto com ela uma imperiosa jornada ao pavor. Florya reencontra sobreviventes de sua aldeia arrasada e precisa confrontar o fato de que sua mãe e irmãs foram cruelmente assassinadas.

Apenas o seu velho pai conseguiu sobreviver. Queimado e aleijado, o velho parece ter sobrevivido apenas para falar uma última coisa ao seu filho: “eu falei para você não cavar”.

Após um tempo, os rebeldes finalmente matam alguns nazistas em sua área, mas Florya fica permanentemente assustado com tudo o que vê pela frente.

Dessas cenas chocantes, duas se destacam em sua brutalidade. Na primeira, Florya é brevemente preso com membros de outra aldeia e todos são trancados em um celeiro que mais tarde é incendiado pelos nazistas.

A crueldade sempre risonha dos soldados nazistas é de um sadismo chocante e incômodo.

Na segunda cena, vemos o retorno da menina Glascha depois de ser estuprada por soldados. Sua expressão é atormentadora.

Klimov não tem pudores em mostrar a loucura casual e visceral dos soldados. E os horrores espontâneos da guerra vão se delineando em uma espiral crescente.

E no meio desse vórtice está esse menino. A perda e o pavor estampados na expressão assombrada de Florya reune toda a tristeza e incompreensão dos conflitos da humanidade.

Não é um filme fácil de ver e de digerir. Mas depois de tantos anos lendo sobre essa obra eu fiquei muito feliz por finalmente poder assistí-la.

E esse filme deixa produções como "O Resgate do Soldado Ryan" a anos luz de distância. Klimov não busca nas técnicas cinematográficas uma catarse pelas vias do entrenimento.

Ele não usa música enaltecedora, nem cria heróis honrados para que aceitemos as razões da guerra. Pelo contrário, o diretor russo faz uso do cinema para passar uma mensagem antibelicista crua e contundente.

Definitivamente ficamos mudados depois de ver uma obra desse porte...

Antes de morrer, em 2003, o cineasta Elem Klimov ao comentar sobre “Vá e Veja” afirmou que seu objetivo não era contar uma história, mas mergulhar nas memórias de infância e tentar comunicar à platéia o assombro e a confusão de sentimentos que experimentou, enquanto a família tentava escapar da ofensiva alemã na Bielo-Rússia (país a oeste da Rússia), em 1941.

Um dos grandes méritos técnicos de "Vá e Veja" está em suas tomadas continuas onde acompanhamos de perto (na altura do olhar) os personagens correndo, fugindo, caindo... Essas cenas primorosas foram feitas graças a um equipamento chamado "Steadicam".

A steadicam é um equipamento criado em 1975 e consiste de um sistema onde a câmera é acoplada ao corpo do operador através de um colete onde é instalado um braço que serve para estabilizar as imagens produzidas, dando a impressão de que a câmera flutua.

Klimov não foi o primeiro cineasta a usar a Steadicam em cinema, mas foi pioneiro em explorar largamente esse recurso que aproxima o expectador à ação em tela.

SOBRE O DVD: a boa notícia é que o filme finalmente foi lançado em DVD aqui no Brasil. A edição da LUME é bem simples, contando apenas como extra um texto do ator Sean Penn sobre a obra. Eu preferi adiquirir o DVD importado de Portugal, que foi feito a partir da matriz restaurada, remasterizada e conta com alguns extras bem legais (entrevistas com atores e cinegrafistas, além de pequenos documentários). Quem não achar por aí e quiser muito, pode entrar em contato (rub.records@yahoo.com.br)

TRAILER DO FILME

GÊMEOS, MÓRBIDA SEMELHANÇA (Dead Ringers, 1988)

2011-02-19T07:04:00.000-08:00

Grande parte da carreira do cineasta David Cronenberg foi dedicada à exploração dos mais estranhos medos, entre os cantos mais inquietantes da psicologia humana e da sexualidade. E de fato Cronenberg criou um dos cinemas mais autorais que conheço, com filmes sobre emoções primitivas através do "horror corporal". Nessa veia pode-se destacar VIDEODROME e CRASH, de enredos cheios de sexo e sentimentos que parecem "brotar" do inconsciente secreto e grotesco.

Pelo menos sob o aspecto do grotesco, o filme GÊMEOS, MÓRBIDA SEMELHANÇA (Dead Ringers, 1988) é um dos mais mansos filmes de Cronenberg. Se por um lado o filme não choca com as usuais imagens viscerais do diretor, de outro pode-se dizer que o filme dos GÊMEOS é possivelmente o seu mergulho mais perturbador no interior da consciência humana.

Esta é a história dos gêmeos (ginecologistas!) Elliot e Beverly Mantle (ambos interpretados, através de efeitos especiais, por Jeremy Irons), que são tão próximos que suas identidades parecem interligadas em uma espécie de "consciência conjunta".

Na verdade, eles se aproveitam de sua aparência idêntica para trocar de lugar um com o outros à vontade, se revezando em aparições públicas, na realização de cirurgias e, até mesmo, compartilhando as mulheres que se envolvem.

O arrogante e confiante Elliot se completa com o tímido e doce Bev, Na verdade, duas faces da mesma personalidade, completando um ao outro para formar uma pessoa inteira. E o mais assustador é que nenhum deles poderia realmente existir independentemente.

No entanto, Bev decide por tentar romper esse elo íntimo entre irmãos, quando ele se apaixona pela estrela de cinema Claire (Geneviève Bujold).

Esse romance começa como apenas mais uma das conquistas mútuas dos irmãos e como de costume, Elliot (mais confiante) primeiro seduz e dorme com ela para então permitir que Bev tome seu lugar na noite seguinte.

Mas quando o vínculo de Bev com Claire começa a ameaçar a ligação entre os irmãos, as coisas começam a dar errado.

O filme é um estudo sobre o pesadelo da dependência psicológica, das obrigações entre as pessoas saudáveis (simbolizado pelo sonho horrível em que Bev imagina ele e seu irmão, unidos por um cordão umbilical de carne, que Claire tenta morder).

Dead Ringers certamente traz algumas imagens com a indelével assinatura Cronenberguiana. Mas na maioria das vezes o seu "horror corporal" é mais psicológico e interno e menos expostos pelo sangue e a carne.

Quando Bev, enlouquecido pelo isolamento e pela dor, simplesmente revela o seu conjunto de instrumentos para operar "mulheres mutantes", sentimos um calafrio visceral e entramos numa das partes mais sombrias desse filme genial.

Ao localizar o horror do filme quase que inteiramente nas mentes dos gêmeos, Dead Ringers se torna um dos melhores exemplos do talento de Cronenberg, talvez a sua obra mais sofisticada.

Ok, quer ficar ainda mais assustado? O filme foi inspirado em um história Verdadeira: o caso ainda não solucionado de Stewart e Marcus Cirilo, gêmeos ginecologista de 45 anos de idade que foram encontrados mortos em seu apartamento em 1975. E eles, à época de suas mortes, se tornaram viciados em barbitúricos.

Eu pessoalmente gosto muito mais do diretor Cronenberg dessa antiga fase. Os filmes mais recentes do diretor, como "Marcas da Violência" e "Senhores do crime" são bons, mas estão por demais encaixados no cinema de mainstream , afastados das temáticas inquietantes que marcaram filmes como "Videodrome" e "A Mosca".

David Cronenberg ainda é um dos diretores mais autorais no mercado. Mas diferente de David Linch, que ganhou respeito dos acadêmicos, Cronenberg singrou por gêneros considerados "menores", como o terror e a ficção científica.

Talvez seja por isso que tenha, na sua velhice, se aproximado do gênero dramático, muito mais acessível para o grande público e sem o estigma maldito dos filmes "B" que espanta os críticos e acadêmicos.

SOBRE O DVD: o filme nunca foi lançado em DVD aqui no Brasil. Acredito que isso ainda pode acontecer, visto que o "Crash" e o "The Brood" acabam de ser lançados. Mas por enquanto ficamos apenas na esperança. Para quem nunca viu vale a pena assistir. O DVD que consegui foi importado da Espanha, mas conta com legendas em português e alguns extras legais. Quem não achar por aí e quiser muito, pode entrar em contato (rub.records@yahoo.com.br)

TRAILER DO FILME

ENTREVISTAS COM IRONS E CRONENBERG

PÔSTERES REVISITADOS

2011-02-16T13:41:00.000-08:00

O ilustrador e designer Tom Whalen, de 34 anos, vem criando pôsteres que revisitam alguns clássicos do cinema, como Star Wars. São uma referência ao trabalho do designer Eric Tan, outro fera da imagem que vocês pode conferir aqui

"Eu adoro os filmes (a trilogia Star Wars) e queria prestar uma homenagem a eles!"
Whalen disse em entrevista

A arte é criada usando o Adobe Illustrator. Whalen diz que seu estilo é muito influenciado pela arte construtivista russa de cartazes, o design de Saul Bass, histórias em quadrinhos e sua "obsessão doentia por filmes japoneses
de monstros gigantes...

Whalen: "Como muitos outros, estou farto de montagens de photoshop na arte dos pôsteres de filmes!". "Eu era inspirado na fantástica arte pintada que sempre acompanhou os filmes de terror e decidi traduzir alguns dos pôsteres clássicos para o meu estilo."

Esses trabalhos Whalen vende algumass de sua artes em convenções e festas, por isso, se você está querendo saber como obter uma cópia ou tem algum trabalho original, entre em contato diretamente com o Tom no: tom@strongstuff.net Ou você pode verificar mais de criações de Tom no DeviantArt e no blog StrongStuff.net

Outro trabalho excepcional é o do ilustrador inglês Olly Moss, que tem um site muito bacana que vocês podem conferir aqui.

Alguns dos cartazes de Olly:

GRANDES PÔSTERES para pequenos filmes

2010-11-27T13:36:00.000-08:00

Bem, para variar um pouco das resenhas de filmes resolvi fazer este post sobre um assunto que todo o cinéfilo adora: pôsteres de filmes! Para quem é de uma geração mais antiga, como da era do VHS, deve se lembrar que naquela época não tínhamos tantas informações sobre os lancamentos dos filmes de locadora. Contávamos apenas com o boca-a-boca e com a "idoneidade" do funcionário da locadora de vídeo para nos dar aquela dica de "filme bacana".

E o mercado de VHS era bem quente, com uma enxurrada constante de filmes, sendo muitos deles, totalmente desconhecidos e inéditos no cinema Brazuca. Falei desse contexto para que seja fácil entender como os pôsteres dos filmes eram importantes naquela época (ainda são importantes, mas hoje o que manda é a máquina divulgadora da internet).

Lembro muito bem da sensação estranha de procurar um "filme bom na locadora de vídeo". Havia os filmes famosos (exibidos nos cinemas), mas havia também um monte de filmes desconhecidos, de procedência misteriosa, com atores de nomes estranhos e títulos impactantes como "O senhor das feras" ou "Guerreiros do futuro". Pois bem, esses cineastas de filmes pequenos não podiam bancar efeitos de um "Tubarão" ou de um "caçadores da arca perdida", mas podiam pagar pela criação de um belo pôster (afinal, o que é mais barato que um ilustrador?).

Ah... e esses pôsteres eram realmente incríveis. Alguns chegavam a ser melhores que os de filmes de grandes estúdios. Você pegava aquele VHS e ficava fascinado com o incrível desenho da capa. Um convite para uma jornada realmente inesquecível!

Infelizmente essa sensação boa durava só até o momento em que o seu videocassete (de 4 cabeças!) começava a funcionar. A decepção vinha quando se percebia que não havia nada em comum entre o filme e a capa. Mas ao mesmo tempo éramos tomados por um misto de curiosidade e teimosia para ver todo o filme... mesmo com todos os seus "defeitos especiais".

Eis alguns desses enganosos, mas deliciosos pôsteres...

Esse é o clássico Capitão américa... Não há como ser mais enganoso que isso. O "Capitão" do filme de 1979 andava de moto e usava um capacete!

Esse pôster é do filme "O senhor das feras".

Quem esperava algo parecido com o "Conan" ficou desconcertado...rs

Mas o filme vendeu bem no mercado de vídeo e rendeu sequências...

Igualmente embaraçosas, mas a gente não conseguia evitar de assistir...rs

Esse pôster é do filme "Guerreiros do futuro"!

O cartaz prometia um filme pós-apocalíptico no estilo Mad Max, mas o que a gente via na telinha era uma turma de canastrões correndo em estradas do interior da Itália..rs

Esse é do filme "Invasion of the saucer-man"...

Bem, eu sei que esses atores anões estavam motivados, mas eles não têm nada em comum com as terríveis criaturas do pôster...rs

Ohh... "O cérebro do planeta Arous"!

Esperamos por um enorme cérebro alienígena que virá flutuando pelo espaço para conquistar a Terra. Mas o que ganhamos é um "charmoso cérebro de papel-machê"!

Imaginem o horror de "O início do fim"...

Bem, com toda a certeza o que imaginamos não era um inseto filmado de perto...rss

O pôster de "From Hell it came"....

Pois a "coisa que veio o inferno" é bem engraçada...

Esse pôster incrível é do filme "DeathStalker", O último grande guerreiro!

Mas logo nos primeiros minutos do filme dá para perceber que a gente não vai ver nada daquilo que a capa prometia...rs

Olha que pôster intrigante. "2020-Os gladiadores do texas"! Juntaram tudo que há de bom no cinema de ação: Mad Max, Gladiador e.... cowboys!

Mas os 90 minutos de filme são assim... menos ambiciosos.....rss

Quem não estremece ao ver o impactante cartaz de "The Amazing Colossal Man"

O problema é que o "maravilhoso homem colossal" é só um careca bonachão inserido na tela....rs

Em breve, mais pôsteres!

A morte nos sonhos (Dreamscape, EUA, 1984)

2010-10-11T15:52:00.000-07:00

Apesar do cartaz "tipo Indiana Jones", Dreamscape não é um filme de aventura para a garotada. Trata-se de filme adulto, muito mais sci-fi, e funciona como um thriller. De fato, quem já viu o "Morte nos sonhos", vai perceber que ele foi o precursor de filmes como: A Hora do Pesadelo 3, Guerreiros dos sonhos de 1987; Alucinações do Passado de 1990; A Cela de 2000, e mais recentemente A Origem (2010), de Christopher Nolan.

Além de ter uma história intrigante, o filme funciona muito bem graças ao elenco de primeira.

Max von Sydow é sempre excelente e confere por si só, um peso de seriedade ao enredo. Christopher Plummer consegue criar uma atmosfera de maldade excepcionalmente "real" fora dos sonhos.

David Patrick Kelly assusta a parte "irreal" com o perturbado Tommy Ray, o manipulador dos sonhos.

Um jovem Dennis Quaid inspirado injeta alívio cômico ao clima opressivo do filme.

Na história, Alex Gardner (Dennis Quaid), é um homem com poderes telepáticos que tem a capacidade de entrar e alterar sonhos de outras pessoas.

Ele é contratado por uma agência governamental, chefiada pelo Doutor Paul Novotny (Max von Sydow) para ajudar a curar pesadelos que assombram a mente dos doentes de uma instituição psiquiátrica.

O que ninguém sabe, é que na realidade, tudo não passa de testes para comprovar a viabilidade da manipulação da mente do próprio Presidente dos Estados Unidos!

O diretor Joseph Ruben confere ao filme uma série de conceitos inovadores como por exemplo, uma máquina que interliga os cérebros dos sonhadores, a manipulação dos sonhos e a possibilidade da cura de doenças psiquiátricas pela análise/alteração de sonhos.

O diretor une todos esses elementos coerentemente dando forma a uma obscura conspiração.

Joseph Ruben freqüentemente nos brinda com seqüências intrigantes de sonhos, muitas vezes com toques sutis.

É preciso observar, por exemplo, as diferentes cores, ao entrar nos sonhos de pessoas diferentes.

Para o trabalhador da construção civil, cujo problema psiquiátrico é relativamente pequeno, a entrada é azul.

Para a criança perturbada com pesadelos, existe um complexo e intermitente jogo de cores.

Para Jane, que está dando o ombro a Alex a cor é um gélido branco-prateado.

Embora o filme tenha contado com um baixo orçamento e os efeitos sejam relativamente primitivos, acredito que o visual ainda hoje funciona bem.

As seqüências de pesadelos Pós-nucleares do Presidente são muito interessantes.

E o homem-cobra que aterroriza os sonhos de um menino ainda conseguem causar arrepios.

Particularmente, o aspectos mais surreais e terríveis dos sonhos são retratados de forma bem criativa.

Outra coisa interessante é a trilha sonora eletrônica de Maurice Jarre. Os produtores queriam uma trilha orquestrada, mas Jarre insistiu nos temas eletrônicos, porque achou que tinha mais a ver com o tema. E ele estava certo!

Joseph Ruben recebeu um Golden Raven Award (Brussels International Festival of Fantasy Film) em 1985. Foi ainda nomeado para o Grand Prize (Avoriaz Fantastic Film Festival) e um Saturn Award, para a Categoria de "Best Horror Film" (Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, USA).

SOBRE O DVD: o filme foi lançado recentemente em DVD aqui no Brasil. A edição da CULT CLASSIC é bastante simples, contando apenas com uma galeria de fotos como extra. Para quem nunca viu vale a pena assistir. O DVD importado que consegui conta com legendas em português e alguns extras legais (cenas extras, testes de como foram feitos os efeitos do mostro-cobra). Quem não achar pode entrar em contato (rub.records@yahoo.com.br)

TRAILER

FIREFOX- Raposa de Fogo (1982)

2010-08-13T18:37:00.000-07:00

Digam o que quiserem, mas a verdade é que não fazem mais filmes como esse. É de uma época onde as histórias eram mais simples, tinham um ritmo agradável e os personagens tinham tempo de dialogar (bem diferente da correria vertiginosa e idiota do último 007).

O filme gira em torno de um plano dos EUA e Inglaterra para roubar um super caça Soviético chamado "Firefox" (MiG-31, nome de código), que é capaz de Mach 6, é invisível ao radar, e carrega armas controladas pelo pensamento.

Clint Eastwood é o Major Mitchell Gant, um veterano do Vietnã (cheio de traumas de guerra) que se infiltra na União Soviética (a guerra fria ainda era uma realidade nos anos 80), auxiliado por sua habilidade em falar russo (Por ser filho de russos) e uma rede de dissidentes judeus e simpatizantes, três dos quais cientistas-chave que trabalham no projeto Firefox.

O objetivo de Gant é roubar o super caça russo e voar de volta para território amistoso de forma que os EUA possam estudar o aparelho.

No entanto, a KGB (a agência de inteligência Soviética) já desconfia da operação e está no encalço do Major Gant. É somente através da ajuda dos simpatizantes que ele continua sempre a um passo à frente da polícia russa. Seu destino é a base aérea de Bilyarsk, onde o protótipo do Firefox está sob forte vigilância. Os cientistas dissidentes ajudam o americano a infiltrar-se na base.

O bacana do filme é a forma como ele realmente coloca você na pele de Clint Eastwood. O Major Gant não é super espião - ele é um veterano de guerra que sofre problemas mentais graves, como resultado das suas experiências de prisioneiro de guerra. Em todos os meandros do enredo o filme capta a sua tensão e medo.

É só quando ele finalmente senta no cockpit do Firefox que acreditamos que ele é o "cara certo para a missão".

O filme foi baseado em um "super caça" real: o MiG-31 "Foxhound".

O Firefox do livro que originou o filme era (esteticamente) quase idêntico ao do MiG-25 "Foxbat", da qual foi uma versão avançada.

O real MiG-31 "Foxhound" também é quase idêntico em aparência ao MiG-25 e geralmente considerado como uma versão melhorada do original. A versão mais intimidante vista nas telas foi criada especificamente para o filme.

E no filme é realmente um impressionante caça, mesmo que totalmente ficcional. Os efeitos especiais, usados para mostrar o seu vôo, antiquados para os padrões de hoje, continuam muito bons

Isso porque o responsável pelas cenas do Firefox em ação é John Dykstra - o homem responsável por muitos dos efeitos especiais vistos em Star Wars.

Quando você ver o Firefox voando em altíssima velocidade vai perceber como ele parece similar aos Speeders Snow sobrevoando Hoth durante o filme O Império Contra-Ataca.

Eastwood faz bem na cadeira do diretor, orquestrando as sequências de suspense em um estilo eficaz, que evita a ação em favor de tensão cuidadosamente construída

SOBRE O DVD: o filme nunca foi lançado em DVD aqui no Brasil. Acho que as distribuidoras apostaram só nos filmes policiais e de western do Clint. Mas para quem curtiu esse filme numa sessão da tarde ou em um Corujão ele faz falta. Para quem nunca viu vale a pena assistir. Importei o DVD de Portugal e por isso conta com legendas em português. Quem não achar pode entrar em contato (rub.records@yahoo.com.br)

Firefox (Trailer)

Jesus Christ Vampire Hunter (2001)

2009-12-28T13:33:00.000-08:00

Edição tosca, diálogos sem sentido, fotografia granulada, câmera tremida e ausência de efeitos especiais. Nos velhos tempos do cinema barato ("B" maiúsculo meu chapa!), estes eram os ingredientes padrão. Na paisagem barulhenta de hoje, com as câmeras digitais, vídeoclips, iPods, iPads e 3D de Alta Definição, esses componentes "B" praticamente deixaram de existir.

As facilidades tecnológicas de se fazer cinema permitem ao mais desleixado cineasta manter sempre o "foco". É por isso que eu tenho de felicitar o diretor Lee Demarbre por não tomar o caminho mais fácil. Na verdade, ele revive muitos destas artes perdidas para dar a Jesus Cristo Vampire Hunter a assinatura de um clássico filme B, dos dias passados.

Nas ruas de Ottawa, no Canadá, inocentes lésbicas estão sendo seqüestradas por uma força do mal para transformá-las em vampiros. Os padres locais decidem se envolver e resolvem que a melhor solução é chamar Jesus! (Phil Caracas).

Não, eles não fazem uma oração ou coisa do tipo. Os padres saem de moto e vão até uma praia próxima encontrar Jesus Cristo em pessoa! Mas este Jesus Cristo é um pouco diferente do homem de sandálias barbudo que lembramos de nossa época de escola dominical.

Este Jesus usa tênis Adidas, brincos e é um mestre nas artes marciais. Sendo um homem de amor e compaixão Jesus concorda em chutar uns traseiros para salvar as pobres lésbicas dos vampiros...

Buscando se ajustar, Jesus recebe um corte de cabelo, faz a barba e até mesmo coloca um ou dois piercings.

Renovado, ele sai a cantar nas ruas da cidade, e como por "milagre" é acompanhado por uma multidão, num grande número de dança coreografada! Mas é claro que Jesus ainda consegue nesse meio tempo andar de skate e curar um aleijado.

Mas ser o salvador não é só fama e felicidade e Jesus é rapidamente pego de suspresa por uma gangue de ateus itinerante. Em uma excelente paródia aos filmes de kung-fu (e eu não estou falando de The Matrix aqui), Jesus diz frente ao bando: "Vamos continuar com as conversões" e começa a chutar alguns traseiros não-crentes, numa luta de proporções épicas.

Nem o Bruce Lee bateu em tanta gente de uma só vez! Rs

Felizmente, os inúmeros defeitos do filme alimentam a comédia intencional. Há uma enorme quantidade de piadas, umas boas, outras ruins e sacrilégios também.

Na pior das hipóteses o filme é um jogo inteligente de criatividade, como quando "Deus" fala a seu filho através de uma taça de sorvete! A ajudante de Jesus é Maria Magnum, uma linda canadense que usa um (inadequado?) macacão super colado ao corpo.

Surpreendentemente, o filme nunca retrata a igreja como hostil à lésbicas. De fato, a maioria das lésbicas são retratadas como fiéis. Parece estranho, já que em grande medida, as religiões cristãs são contra as lésbicas (homossexualismo). Mas uma das principais mensagens do filme é que não devemos julgar as pessoas, e sim amá-las. As doses extremas de humor do filme não suplantam os ensinamentos de Cristo sobre amor e tolerância.

E não me perguntem o que o famoso lutador mexicano "Santos" está fazendo aqui! Rs

SOBRE O DVD: o filme nunca chegou aos cinemas do Brasil e nem foi lançado em DVD. Isso já diz tudo sobre o apelo comercial do filme. Mas para quem curte o cinema independente e autoral esse é um filme no mínimo interessante. Vale a pena assistir. Importei ele da espanha e por sorte conta com legendas em português de portugal. Quem não achar pode entrar em contato (rub.records@yahoo.com.br)

Jesus Christ Vampire Hunter (Trailer)

THE FALL, EUA - 2006

2009-10-28T16:19:00.000-07:00

Nesta era de efeitos digitais, estamos acostumados à idéia de que a manipulação dos pixels em uma tela de computador permite aos cineastas nos mostrar praticamente qualquer coisa.
Mas na contramão dos efeitos digitais somos brindados com "The Fall" (Dublê de Anjo, no Brasil) - um filme independente de Tarsem Singh Dhandwar, um veterano diretor de videoclipes - está cheio de locais que provocam surpresa: cenas submarinas de um gracioso elefante nadando, escadarias que poderiam ter sido desenhadas por MC Escher, uma aldeia onde todos os prédios parecem ter sido individualmente pintados em tons de azul sutilmente diferentes.

O compromisso artístico do diretor já se percebe logo no cartaz do filme, inspirado na pintura de Salvador Dali, 1935-03-Face de Mae West que pode ser usado como um apartamento", de 1935.

Estas imagens surpreendem justamente porque são bastante reais, evidentemente, explodindo com a vida e os detalhes que escapam até mesmo aos mais cuidadosos artistas digitais. "Eu decidi que não ia ser CGI", disse Tarsem, usando a abreviação da indústria de imagens geradas por computador. E acrescentou numa entrevista ao The New York Times: "Eu decidi em The Fall que a direção de arte ia ser na paisagem e no figurino e nada mais."
Tarsem, 46, nasceu na Índia, cresceu em Lisboa (onde seu pai era um engenheiro para a companhia aérea iraniana) e Foi educado no Art Center College of Design, em Pasadena, Califórnia, que atualmente divide seu tempo entre Londres e Los Angeles, levando uma vida itinerante refletida na estrutura do seu filme.

Muito do visual deslumbrante desse filme se deve ao figurino, de autoria da designer Eiko Ishioka, parceira de Tarsem desde seu primeiro filme "The Cell" (A Cela, no Brasil). Eiko também trabalhou em super produções como o "Dracula", de Francis Ford Coppola.

"The Fall" é composto de duas histórias contadas em dois estilos diferentes, mas interligados.
Primeira história: Em um hospital de Los Angeles em 1915, o dublê de filmes Roy Walker (Lee Pace), se vê paralisado em conseqüência de uma queda de uma ferrovia , e faz amizade com Alexandria (Catinca Untaru), uma menina de 5 anos de idade que quebrou a clavícula enquanto colhia laranja com seus pais imigrantes.

Roy começa a contar a ela um conto de aventura selvagem, ainda que lentamente se torne claro que ele tem uma intenção escondida. Sua história é uma forma artesanal de manipular a criança para roubar comprimidos de morfina que ele precisa para cometer suicídio.

Segunda história: A medida que Roy desdobra seu conto, Alexandria imagina um épico de capa e espada sobre um herói mascarado, o Bandido Preto (Pace novamente), que com a ajuda de um escravo fugitivo (Marcus Wesley) , um místico indiano (Bleach Juliano), um perito em explosivos Italiano (Robin Smith) e do naturalista Charles Darwin (Leo Bill), luta para salvar sua amada, a princesa Evelyn (Justine Waddell) das garras do temível Governador Odioso (Daniel Caltagirone). Na tradição de "O Mágico de Oz" ", os personagens são todos extraídos da população hospitalar.

O filme foi filmado em 26 localidades em mais de 18 países.
O diretor afirma que não há efeitos especiais no filme, apesar do seu aspecto surreal. Tudo foi filmado em locações reais.

O personagem de Charles Darwin é uma atração à parte.

Seu Macaco "Wallace" é uma referência ao naturalista Alfred Russel Wallace, que independentemente desenvolveu a idéia da seleção natural. Darwin e Wallace apresentaram a teoria em conjunto, mas devido à publicação de "A Origem das Espécies", Darwin geralmente obtém crédito único para a teoria.

As escadarias incríveis que lembram os desenhos de MC Escher.

A inacreditável cidade azul

O Bandido preto jura vingança...

E todos querem dar cabo do governador Odioso.
O "Místico" também se junta ao quinteto.

E cada cena do filme se assemelha a um quadro.

Locações surreais e inspiradoras.

Figurino indescritível...

A etérea princesa Evelyn...

O trabalho da designer Eiko Ishioka...

"The Fall" é baseado em "Yo Ho Ho", um filme dirigido pelo búlgaro Zako Heskija, que fixou em Tarsem a idéia de pensar sobre a natureza manipuladora de se contar histórias.

SOBRE O DVD: o filme nunca chegou aos cinemas do Brasil. Foi lançado diretamente em DVD. Isso já diz muita coisa sobre a falta de apelo comercial do filme. Definitivamente "The Fall" não vai agradar a todos. Mas para quem aprecia o cinema independente e autoral esse é um filme fascinante. Vale a pena procurar. Quem não achar pode entrar em contato (rub.records@yahoo.com.br)

O INCRÍVEL HOMEM QUE DERRETEU, EUA-1977

2009-10-17T19:31:00.000-07:00

Bem, como posso começar a falar dessa jóia do cinema? Ok, neste filme há um "homem" que está "derretendo" e isso é "incrível"! Não foi o suficiente para despertar uma enorme e irrefreável curiosidade? Se a resposta for não sou forçado a defesa e aos fatos que cercam o filme...

Durante o primeiro vôo a Saturno, uma estranha radiação afeta os três astronautas à bordo da espaçonave Scorpio 5. Isto acontece depois que eles observam o sol através dos inexplorados anéis do planeta!

O astronauta Steve West (Alex Rebar) teve o privilégio de ver essa maravilha, porém o preço pago por ver algo que nenhum humano ainda tinha visto foi muito alto. Imediatamente, o contato com a base em Houston se interrompe. O coronel West é o único que consegue sobreviver e ele acorda, todo enfaixado, num hospital do exército. Como é de praxe, o governo mantém em absoluto sigilo o fracasso da missão e a morte dos dois companheiros do coronel, mantendo a imprensa e a população afastada dos fatos reais.

Ao se olhar no espelho, Steven descobre que ao ser exposto à enigmática radiação cósmica adquiriu uma terrível e desconhecida doença.

Ela está provocando o gradual derretimento de sua pele e incutindo em sua mente um assustador instinto selvagem: o apetite insaciável por carne humana!

O monstro astronauta também teve o cérebro deteriorado e depois de fugir do hospital militar passa a matar todos que atravessassem seu caminho, deixando um rastro de vítimas dilaceradas para trás.

O derretido é então perseguido secretamente por uma dupla de canastrões de primeira: o médico Dr. Ted Nelson (Burr DeBunning) e o General Perry (Myron Healey), que precisavam deter as mortes violentas e esconder o fracasso da missão espacial do conhecimento do público, numa típica conspiração governamental.

O rosto do pobre astronauta derretendo lembra uma pizza podre e sua respiração pesada faz soar como o Darth Vader!
Vejamos os vários graus de derretimento:

Derretimento leve...

Derretimento moderado...

Derretimento grave...

Derretimento máximo!

Outra grande vantagem do filme é que o roteiro de William Sachs não perde tempo com tediosas explicações científicas ou discursos emocionais. O cara chega, vê que está derretendo, foge e começa a matar e devorar as pessoas. Simples assim! A repulsa começa imediatamente nas primeiras cenas e dura até o último momento.

Bem, se você ainda não está entendendo nada eu fiz um diagrama para explicar tudo isso:

Para desfrutar desta jóia do horror tente desligar a sua atividade cerebral, tanto quanto você puder, porque, se você começar a pensar sobre as muitas tolices no roteiro, você vai perder toda a diversão!

Dirigido e escrito por William Sachs, é um daqueles filmes indispensáveis para os que apreciam o cinema obscuro de baixo orçamento.

Com um roteiro que mistura elementos de ficção científica, conspiração e horror “gore” em doses generosas de sangue e vísceras, já foi exibido na televisão aberta e lançado em VHS pela “Globo Vídeo”.

E curiosamente o responsável pelos excepcionais e nojentos efeitos especiais e maquiagem do astronauta em processo de derretimento, é o cultuado Rick Baker em início de carreira, e hoje consagrado por diversos trabalhos em filmes populares de produções milionárias (como “Lobo”, 1994, com Jack Nicholson, e a refilmagem “Planeta dos Macacos”, 2001, de Tim Burton).

SOBRE O DVD: o filme nunca foi lançado em DVD no Brasil e eu sei porque: só eu ia comprar! Mas para quem é fã e gostaria de ter esta pérola incrivelmente cult em DVD, entre em contato. Possuo uma versão do DVD importado com legendas em português (rub.records@yahoo.com.br)

PHASE IV (1974)

2009-08-19T06:34:00.000-07:00

Silencioso, assombroso e belo, Fase IV é um intrigante (e também negligenciado) filme de ficção científica feito pelo renomado designer Saul Bass (o homem por trás das sequências de créditos iniciais de Psicose, Um corpo que cai, entre outros outros). Mas para quem espera sustos e monstros medonhos regados a surpreendentes efeitos especiais (que parecem ser requisistos das ficções de hoje) definitivamente é melhor passar longe de Phase IV. Esse é um daqueles raros filmes que exige uma apreciação atenta, que nos leva e nos obriga a algumas reflexões...

As primeiras e psicodélicas imagens nos mostram um misterioso fenômeno cósmico que não afetou a humanidade...

...Mas que parece ter transformado de alguma forma os seres mais inofensivos e banais do planeta terra: as formigas.

A ação de Fase IV se inicia em um trecho desolado do deserto norte-americano, de onde o olhar artístico de Saul Bass explora os matizes da paisagem cena após cena acentuando os castanhos, laranjas e amarelos.

Somos então levados por uma série de close-ups de formigas e uma voz em off começa a destacar as habilidades e potenciais inerentes a esta força da mais insignificante das criaturas de Deus. Por várias cenas, filmadas de uma maneira quase documental somos convecidos do potencial impacto que as formigas podem ter sobre o planeta.

A história humana de Fase IV diz respeito aos esforços de Doutor Hobbs (Nigel Davenport), e James (Michael Murphy), o seu assistente, para estudar as recentes e estranhas atividades das formigas do local. Embora quase todo mundo na América tenha relatado o estranho e novo comportamento das formigas, ninguém deu importância.

Mas o Dr. Hobbs está convencido de que algo importante, e possivelmente catastrófico, está acontecendo na solidão do deserto.

Depois de garantir o dinheiro necessário para financiar seus experimentos, Hobbs e seu assistente se estabelecem em um laboratório hermeticamente fechado para assistir o comportamento das formigas.

E os temores se concretizam ao perceberem o progresso evolutivo das formigas, seu aumento de inteligência e, possivelmente, uma consciência coletiva impregnada com noções de expansão territorial.

Nas mãos de um impaciente diretor, esta história sobre hordas imperialistas de formigas poderia muito bem se tornar ridícula! Mas Bass mantém a sua história firmemente plantada no reino do crível e evita usar qualquer efeito especial para mostrar criaturas monstruosas.

Em vez do sensacionalismo, Bass oferece-nos cenários que são viáveis e por isso mesmo muito mais assustadores. Assim sendo, temos legiões de formigas que atacam fios elétricos para desligar o ar-condicionado que alimenta o laboratório, numa clara tentativa de matar os cientistas humanos.

E assim agem as diminutas formigas, aparentemente frágeis, mas com uma força coletiva terrível, capaz de devorar em instantes um homem de dentro para fora.

O mais intrigante na direção de Bass é que mesmo os momentos macabros são imbuídos de tal beleza misteriosa que não conseguimos deixar de apreciar a sublime fotografia do filme, mesmo em seus instante de horror. Ok, eu confesso, sou um fã do Saul Bass... he he he

Para além do visceral e imediato horror que o filme mostra, existe uma profunda e mais sinistra idéia.

Conforme o filme avança, vemos como Hobbs é lentamente consumido por uma enlouquecedora febre devido a uma picada, enquanto James luta para encontrar uma forma de se comunicar com as formigas. Em certa altura, junta-se a eles uma linda jovem, sobrevivente de um ataque das formigas à sua fazenda. Mas percebemos que o destino dessas almas solitárias, em última instância, é irrelevante para a história.

Vivos ou mortos, os nossos heróis são apenas o primeiro obstáculo para que as formigas tenham a derradeira conquista de toda a civilização.

Sabendo que Hobbs, um homem de ciência e por isso mesmo ciente do poder do inimigo, é incapaz de impedir o avanço das formigas, temos de encarar o fato de que o resto da humanidade também está condenada, que todos os nossos esforços para deter as formigas provavelmente serão infrutíferos.

E apesar de Fase IV marchar para uma desesperada conclusão, Bass abstém-se de nos mostrar esse terrível apocalipse, deixando para o final apenas uma sucessão de belas imagens e um calafrio premonitório do que está por vir.

E o poder das imagens criadas pelo diretor/designer é incontestável. E a sua fusão com a trilha sonora eletrônica do grupo "Tangerine Dream" também ajuda a criar uma atmosfera totalmente alienígena e desconfortável.

Para quem não conhece, Saul Bass (1920-1996) foi um extraordinário designer, que a partir de 1955, revolucionou os créditos de apresentação de filmes, ao fazer os trabalhos introdutórios de "Carmen Jones"(1955), e "O Homem do Braço de Ouro" (The man with the golden arm, 1956), ambos de Otto Preminger, que voltaria a utilizar seu talento em outros filmes ("Anatomia de um crime", 1958; "Exodus", 1960; "Tempestade sobre Washington", 1962 e "Bunny Lake Desapareceu", 1965).

Evidentemente, que seu talento não ficou restrito aos filmes de Preminger: colaborou com Alfred Hitchcook ("Intriga Internacional", 1959 e "Psicose", 1960), Michael Anderson ("A Volta ao Mundo em 80 Dias", 1957), Delmer Daves ("Como Nasce Um Bravo/Cowboy", 1958), Stanley Kubrick ("Spartacus", 1960), Robert Wise ("Amor Sublime Amor", 1962), Edward Dmytryk ("Pelos Bairros do Vício", 1962), Stanley Kramer ("Deu a Louca no Mundo", 1963) e Carl Foreman ("Os Vitoriosos", 1964), para só citar apenas alguns de seus trabalhos. Para quem quiser saber mais sobre esse gênio das imagens é obrigatória a visita ao www.notcoming.com/saulbass/index2.php

SOBRE O DVD: Phase IV nunca foi lançado em DVD no Brasil e sinceramente acho que jamais será. É o tipo de filme que não convêm aos interesses comerciais das distribuidoras. Para quem é fã e gostaria de ter este inegável cult em DVD, entre em contato. Possuo uma versão do DVD-região 1 com legendas em português (rub.records@yahoo.com.br)

20.000 LÉGUAS SUBMARINAS (1954)

2009-08-01T12:50:00.000-07:00

Na década de 50, cansado da dependência com a distribuição da RKO, Walt Disney decidiu controlar seu próprio destino em Hollywood criando a Buena Vista, que foi lançada em grande estilo com a superprodução 20.000 leguas submarinas em 1954. Dirigido por Richard Fleischer (Conan, o Destruidor), com Kirk Douglas e James Mason no elenco.
Em 1868 relatos alarmantes sobre um monstro marinho, que destruía navios facilmente, gera um temor nas companhias de navegação. Em virtude disto vários navios não levantam âncora, pois não há tripulação corajosa o bastante. Em São Francisco um professor francês, especialista em vida marinha, precisa ir à Shangai e enfrenta o mesmo problema, pois a tripulação do seu navio desertou. Mas ele e seu assistente são convidados pelo governo americano para uma viagem que pretende confirmar ou negar este boatos.
No contato com o monstro, o navio americano Abraham Lincoln é danificado até ao ponto de não conseguir prosseguir viagem.

O professor Aronnax (Paul Lukas), Conseil (Peter Lorre), seu criado, e Ned Land (Kirk Douglas), arpoador exímio, são atirados ao mar onde são recolhidos por uma misteriosa embarcação, capaz de navegar embaixo da água! Algo inconcebível para a época.

Em Vinte Mil Léguas Submarinas, Júlio Verne nos mostra um submarino, o Náutilus, completamente autônomo do meio terrestre, movido somente a eletricidade. O engenheiro, dono e capitão desta maravilha é o Captão Nemo (James Mason), ele e a sua tripulação cortaram todas as relações com os continentes e com a humanidade. Vivem somente do que o mar lhes dá, a comida, a matéria prima que necessitam para a produção de eletricidade, tudo vem do mar.

Mas a humanidade não conhece a existência desta obra prima de engenharia que o capitão Nemo criou em segredo, e, quando este começa a provocar estragos em navios e embarcações, o mundo passou a temê-lo, imaginando o submarino como um monstro marinho.

Durante vários meses, o Náutilus percorreu dezenas de milhares de quilômetros sob as águas, passando por muitos lugares e peripécias. Os três prisioneiros do captão Nemo assistem estarrecidos a todas estas prodigiosas maravilhas do submarino. É claro que Nemo se trata de um gênio, mas o professor quer saber quais os motivos que fizeram aquele homem se isolar do mundo, se podia contribuir com seu enorme conhecimento. Gradativamente revelações estarrecedoras vão surgindo...

O vencedor do Oscar Paul Lukas está bem no papel designado, Kirk Douglas (um dos melhores atores de cinema de todos os tempos) deu destaque ao arpoador Ned Land e Peter Lorre, apesar de um papel pequeno, está ótimo também. Agora, James Mason, que se entregou totalmente ao personagem, faz o melhor Nemo do cinema. Sua caracterização é perfeita, com toques de idealismo e loucura contida.

Todo o design de concepção do filme é incrível, uma maravilha para a época, e o Nautilus está muito bem construído e decorado, o que atesta de vez as qualidades que tornaram este conceito visual como o definitivo do Nautilus .

Os espantosos efeitos especiais de Ralph Hammeras, Ub Iwerks, John Hench e Josh Meador e a direcção artística/cenários de John Meehan e Emile Kuri são perfeitos.

Por isso o filme ganhou 2 Oscars, nas categorias de Melhor Direção de Arte e Melhores Efeitos Especiais, além de ter sido indicado na categoria de Melhor Edição.

O orçamento do filme foi de US$ 5 milhões.

Um dos modelos utilizados para o Nautilus nas filmagens está em exposição no Walt Disney World's Epcot Center na atração, "The Living Seas". Esta produção foi tão grande que a Disney tinha de utilizar instalações de outros estúdios. Isto incluiu a Universal International e a 20th Century Fox.Na época Peter Lorre alegou que a lula gigante pegou o papel que era geralmente reservado para ele.
Além de suas muitas contribuições como designer de produção, Harper Goff também ensinou Kirk Douglas a tocar o violão para a cena musical do seu personagem

De acordo com Kirk Douglas, em sua autobiografia, " Ragman's Son ", a cena no início do filme onde Ned Land passeia acompanhado com uma linda garota em cada braço e logo depois se envolve numa briga, foi escrita a seu pedido. Na época em que o filme foi feito, Douglas estava no auge de sua carreira e muito preocupado com a promoção de sua imagem. Ele queria sempre passar uma reputação de homem elegante para as senhoras e a de um "machão" como um herói ação. Quando ele leu o primeiro roteiro do filme, ele ficou um pouco decepcionado ao descobrir que seu personagem Ned Land não fazia aparições com qualquer mulher que seja e não iniciava nenhuma briga. Tendo estas preocupações expressas tanto para Walt Disney como para o diretor Richard Fleischer, a cena de luta foi acrescentada especialmente para satisfazer Douglas... He he he

SOBRE O DVD: 20 mil Léguas nunca foi lançado no Brasil. Por essa razão, descolei o importado de Portugal mesmo em uma edição especial bem recheada de extras. Para quem é fã e gostaria de ter este clássico em DVD, entre em contato. Possuo uma versão do DVD-região 2 (rub.records@yahoo.com.br)

Ziggy Stardust And The Spiders From Mars - The Motion Picure - 1973

2009-07-11T15:43:00.000-07:00

Para variar, mas só um pouco, vou falar sobre um filme de um show de Rock. Mas antes que alguém atire a primeira pedra com a pergunta: "mas isso não é um Blog sobre cinema?" eu aviso que considero essa epopéia de Bowie uma peça cinematográfica de primeira. Até porque existe ali um enredo e uma atmosfera tão teatral que eu não podia ficar sem falar desse filme.

Não há dúvidas de que uma das figuras mais importantes da história do Rock and roll é a de David Bowie representando Ziggy Stardust, um Pop Star alienígena e andrógino que tinha uma cabeleira vermelha alaranjada, sem sobrancelhas, maquiado e trajando roupas coloridas. Este personagem foi uma criação de Bowie: um marciano que veio a terra para mudar a cabeça dos humanos, e apesar da origem fantasiosa, tinha muito de auto-biográfico, e representava a estranheza comportamental e sexual do próprio músico.

Ele era acompanhado pelos "Spiders from Mars" , sua banda de apoio, que tinha o guitar hero Mick Ronson, Trevor Bolder no baixo e Mick Woodmansey na bateria.

Nessa fase, Bowie lançou o clássico álbum "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars" um dos mais importantes e influentes da história. O disco era conceital e narrava a epopeia de Ziggy na terra. Influenciado por ficção científica de filmes como: 2001 - uma Odiséia no Espaço e a Laranja Mecânica, Bowie criou uma obra fantástica (nos dois sentidos: fantasiosa e de grande qualidade) e dramática (principalmente ao vivo, seus shows tinham uma dinâmica teatral).

Berço de clássicos como "Five Years"; "Moonage Daydream";"Starman"; "Ziggy Stardust";"Suffragette City" e "Rock´Roll Suicide", pode-se conferir ainda em uma edição especial lançada em 1990 os B´s Sides John, I´m Only Dancing e Velvet Golmine. Músicas inesquecíveis.

O filme "Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" surgiu do Show no London's Hammersmith Odeon, no dia 3 de julho de 1973 documentado pelo cienasta americano D.A. Pennebaker. O mais louco é que Bowie resolveu matar a personagem surpreendendo todos, até os músicos que o acompanhavam. Esse inesquecível show era a 60ª apresentação em Londres, e após quase um ano sem intervalos, Bowie anunciou o fim do espetáculo - cancelando uma tounê na Europa, e uma terceira tournê nos USA com 38 shows já marcados.

O anúncio pegou de surpresa não só os fãs, mas a maioria da imprensa e mesmo os próprios Spiders From Mars. Aparentemente somente seu empresário e Mick Ronson sabiam do anúncio. "De todos os shows desta turnê, esta ficará marcada em nós com mais força, pois não é só o último show desta turnê, mas também como o último show que eu farei. Obrigado." Disse Bowie antes da última música. Assim morria o mirabolante personagem, e nascia lenda.

Com formação teatral, Bowie sabia muito bem da importância de um prólogo em uma obra conceitual e é desta forma que esta música funciona. Ziggy Stardust caiu na terra justamente quando as pessoas haviam acabado de descobrir que o mundo ia acabar dentro de cinco anos. A culpa disso é de um sonho. Em 1971, ele sonhou com seu falecido pai. No sonho, o pai disse ao filho que ele só tinha mais cinco anos de vida. Foi este sonho que gerou a música que acabou gerando o disco e o personagem Ziggy Stardust.

Bowie mistura amor e existencialismo na pseudo-pop Soul Love, que brinca entre o stone-love (o amor pelos que já morreram), o new-love (o amor romântico - a paixão) e o soul-love (o amor religioso) e cunha a frase "Tudo que eu tenho é meu amor pelo amor - E amar é não amar".

É até irônico que a fase mais brilhante da carreira de Bowie seja justamente a fase mais brilhante dos seus figurinos. Reza a lenda que foi difícil convencer o caminhoneiro Mick Ronson - o melhor guitarrista que já tocou com Bowie - a vestir aqueles modelitos bufantes, mas Bowie tirou de letra: "Você vai comer muita mulher, Mick."

Não é pela rebeldia ou pelas aventuras sexuais que os cantores de glam viveram que a vida de quem admira o rock´n´roll é curta. Bowie não se restringe a demonstrar apenas seu estilo musical, porque a própria invenção de Ziggy Stardust e sua atuação remetem, além dos estereótipos, até emoções, êxtases.

Sobre o disco The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, poderia-se dizer qualquer coisa: que é o melhor disco do rock inglês pós-Beatles, que é o melhor disco do rock inglês, que é o melhor disco do rock, ou que é o melhor disco da galáxia de onde Ziggy veio... É pouco.

Vale a pena ouvir o material, que é raridade em lojas hoje em dia. Para quem quer se aprofundar na história desse Alienígena roqueiro que deixou saudades, vale conferir o link:
www.5years.com - simplesmente uma enciclopédia online dedicada ao disco. Fontes: OMELETE e WHIPLASH.NET

SOBRE O DVD: foi lançado no Brasil mas infelizmente parece estar fora de catálogo pois não consegui achar. Por essa razão, descolei o importado mesmo em uma edição comemorativa dos 30 anos da morte do Ziggy. Para quem é fã e gostaria de ter esta preciosidade em DVD entre em contato. Possuo uma versão do DVD-região 2 (rub.records@yahoo.com.br)
Músicas do DVD
- Opening Credits/ Intro  - Hang On To Yourself  - Ziggy Stardust  - Watch That Man  - Wild Eyed Boy From Freecloud  - All The Young Dudes  - Oh! You Pretty Things  - Moonage Daydream  - Changes  - Space Oddity  - My Death  - Craked Actor  - Time  - The Width Of A Circle  - Band Introduction  - Let´s Spend The Night Together  - Suffragette City  - White Light/ White Heat  - Farewell Speech  - Rock ´n´ Roll Suicide  - End Credits

SIGGY STARDUST MOTION PICTURE

DEATH RACE 2000 (1975) / Corrida da Morte - Ano 2000

2009-06-21T22:40:00.001-07:00

Estamos no futuro, mais precisamente no longínquo e apocalíptico ano 2000. Em uma sociedade totalitária e ditatorial, visando manter o status quo e entreter as massas, o corrupto presidente dos EUA promove uma anárquica e subversiva corrida de carros onde os participantes pontuam atropelando pedestres. Soa estranho para você?

PORQUE DEATH RACE É TÃO BOM?
Pois bem: o que faz um filme se tornar um cult-movie? Quais seus elementos mais comuns? Existe uma fórmula, método ou "plano definido"? Não sei ao certo. Também não sei o que faz essa produção "B" funcionar, mas a meu ver funciona maravilhosamente bem. Seria exagero dizer que Death Race 2000 é cinema politizado e engajado, mas a crítica está lá: no tom escrachado, anárquico e na ironia dos diálogos.

Na verdade tenho uma bem humorada e tortuosa teoria para explicar porque filmes como esse, com orçamento zero e atuações duvidosas se consagram em nossas mentes e corações. Muitos vêem o mundo da sétima arte como uma linha definida onde supostamente podemos localizar os filmes dentre estes dois extremos: de um lado o lixo, do outro, a arte. Entre eles poderíamos dispor toda a sorte de criação cinematográfica, com os filmes de Kubrick bem ali à direita, mas não tanto quanto Tarkovisk, Godard ou Fellini. Já os filmes Ed Wood, considerado o "pior cineasta de todos os tempos", estariam no limite esquerdo. Razão pela qual visualizaríamos isso:

Mas vejam bem, como acredito na Teoria da Relatividade e em seus desdobramentos, quero crer que o espaço não é propriamente linear e pode ser curvado sob condições especiais. Daí se explica a razão de filmes ditos "ruins" atingirem o título de "cult". Esses filmes, de tão contrários ao senso comum "forçam o espaço a se curvar" causando uma deformação espaço-temporal que os une à margem oposta do espectro cinematográfico. Fácil de entender não?

O diretor Paul Bartel não é o que chamaríamos de discípulo de Kubrick, suas imagens são cruas e , para ser bem sincero, Death Race é um filme visualmente pobre, se considerarmos o cinema de primeira linha. Mas, na mesma medida em que afunda em defeitos técnicos, saltam-lhe atributos que carecem em muitos dos filmes de hoje. Trata-se aqui de um cinema extremamente autoral, experimental, com um contundente olhar crítico, mas também anárquico e subversivo. Não se fazem mais filmes assim.

As atuações do David Carradine e principalmente de Sylvester Stallone são de uma canastrice de causar arrepios, mas este elemento acaba pesando para o lado positivo em produções deste tipo. Death Race 2000 não se leva a sério nem por um segundo e quem ganha é o espectador quem nem por um segundo deixa de se divertir.

Lançado no Brasil com o nome de Corrida da Morte- Ano 2000, em saudoso VHS, Death Race 2000 é também uma versão totalmente adulta do desenho "Corrida Maluca" da Hanna-Barbera, mas com David Carradine (ou para quem lembra: Kwai Chang Caine) ao volante de um super-carro revestido com cartolina pintada!

O filme foi produzido pelo lendário Roger Corman, o "Rei dos filmes B". As produções de Corman (New World) sempre misturaram a modéstia orçamental com um descaramento a toda a prova, e um filme que seria por todos os cânones considerado embaraçoso para qualquer envolvido transformou-se, assim, numa deliciosa comédia de humor negro completamente insana.

Corman, a princípio, escreveu o roteiro inicial do filme, que assumiu um tom grave e sério. Mas logo percebeu que não era o enfoque certo de abordar os temas pesados. Ele decidiu que o humor negro seria a melhor maneira de contar aquela história bizarra e violenta. Chamou o roteirista Charles Griffith (do originalíssimo "A Pequena Loja dos Horrores") para reescrever o roteiro com um tom de paródia.

E o filme faz bem o seu papel. Death Race faz paródia com tantas coisas, que é difícil saber por onde começar. Temos antes de tudo uma crítica ao egocentrismo americano (Em certa altura do filme, o governo dos EUA começam a culpar o governo francês por todos os problemas da nação!). A manipulação das massas pela mídia é bem evidente também, chegando a extremos de humor negro com a figura do repórter que acompanha a violenta corrida sempre com um sorriso irrascível. Ao mesmo tempo, o sangue flui nas telas de TV de todo o país deixando a audiência animada. Há também uma crítica mais sutil quanto a ética dos grandes eventos esportivos, que todos nós sabemos, envolvem tanto dinheiro que seria ingenuidade pensar que não ocorrem manipulações de resultado.

O campeão das pistas é Frankenstein (David Carradine), que corre contra um grupo de rivais estereotipados, liderados pelo seu inimigo mortal Machine Gun Joe Viterbo (Stallone!), que tem como único objetivo matar Frankenstein. Os outros pilotos incluem figuras estereotipadas como Calamity Jane (Maria Woronov), Matilda the Hun (Roberta Collins), Nero the Hero (Martin Kove, o professor malvado de "Karate Kid"), Cleopatra (Leslie McRae) e Herman the German (Fred Grandy).

A história é contada a partir da perspectiva de Frankenstein e de sua nova navegadora, a linda e misteriosa Annie Smith (Simone Griffith). Desnecessário dizer que ambos terão um caso amoroso. Mas Annie guarda um grande segredo: é a filha da líder revolucionária Thomasina Paine, contrária a violenta corrida. Mas Frankenstein é um descontentado peão que tem os próprios planos para resolver os problemas da nação!

A corrida é narrada pelo repórter Bruce Junior (na vida real era o DJ Don Steele), um extravagante locutor que se enche de emoção durante todo o show automobilístico, quer se trate de um incidente inesperado ou o assassinato de um pedestre incauto. Sua figura é por si só uma deliciosa crítica à mídia em geral.

O percurso corta os EUA de leste a oeste em apenas três dias. Não só interessa chegar primeiro, como também marcar pontos durante o percurso, e os pontos somam-se atropelando pedestres! As pontuações diferem se as vítimas são adultos, crianças ou velhos. O humor engloba maluquices como a personagem de Matilda, uma nazista com fã-clube e Nero "o herói" lamentando que os meninos escoteiros correm muito depressa e portanto são difíceis de atropelar. Pode não parecer engraçado, mas a direção desinibida de Bartel nos mantém rindo o filme todo.

É a contra-cultura do entretenimento no seu maior esplendor, totalmente descomprometida e abusando de um tom inverosímil, mas com muito sangue nas rodas.

O orçamento pouco dava para encher o tanque dos carros, mas na Produtora New World de Rogerm Corman poupava-se em tudo, começando por cortar na vergonha (durante a prova são atropelados tanto o Papa como o presidente dos EUA!).

E o filme poupa também nos diálogos e no guarda-roupa, que inclui um topless de cada uma das mulheres, corredoras e navegadoras (especialmente as estonteantes Simone Griffet e Mary Woronov, celebrizada pela Factory de Andy Warhol).

Stallone e Carradine conduziram os carros durante a maior parte das cenas perigosas mas, como a maior parte das cenas em vias públicas foi rodada sem permissão, o próprio Roger Corman conduziu os veículos, porque até os dublês tinham receio de ser apanhados pela polícia.

CURIOSIDADES
Vários dos carros no filme são "tunings" (se é que podemos dizer que "tunar" um carro seja colocar-lhe dentes) de algum carro barato, incluindo um VW Karmann-Ghia (o carro canhão de Matilda). Um dos carros que persegue Frankenstein muito brevemente antes de explodir é um Ford Mustang. O carro de Nero foi feito com um Fiat 850 Spider, e o incrível "carro lagarto" de Frankenstein é um Chevrolet Corvette.

Baixo orçamento é isso aí. Note-se as portas duplas (completa com o sinal de "EXIT") e teto estranhamente alto deste bastante improvável "hotel". Posso apenas teorizar que no distante e caótico ano 2.000 os hoteis sejam lugares perigosos, talvez alvos de burlescos ataques de terroristas franceses. Por isso a necessidade de uma saída de emergência, inclusive com a famosa "barra antipânico"...

Sylvester Stallone é hilário e assume o papel de um corredor com trejeitos de gângster dos anos 30. Totalmente bizarro.

O filme, baseado em um conto, manteve apenas a premissas da história original escrita por Ib Melchior; os personagens e incidentes são todos diferentes. A história centrava-se apenas em um mecânico/motorista e um anti-corredor. Não incluía também o hilário presidente nem o super piloto Frankenstein. Não haviam coisas loucas como o fã clube nazista...

De acordo com Roger Corman, vários dos carros caracterizados para o filme foram depois vendidos a museus automobilísticos por uma quantia consideravelmente maior do que o custo de construí-los. Corman sempre teve bom olho para as oportunidades de fazer dinheiro. He he he

Sim, houve uma refilmagem que acaba de sair em DVD (não passou nos cinemas) com o "homem de ação Jason Statham". O novo filme tenta ser sério e verossímil, com muita pirotecnia, destruição, explosões, vinganças e é claro, uma lição de moral no fim. Em suma: totalmente o oposto do original. Será esquecido em minutos, enquanto o original continuará dando o que falar... mais de 30 anos depois de ter sido feito!

Subversão a toda prova! Em 1997 foi lançado “Carmageddon”, em que o jogador disputava corridas de carro em cidades e ganhava pontos com manobras arriscadas e atropelamento de pedestres. Um dos primeiros jogos politicamente incorretos da história, e que foi descaradamente copiado do “Death race 2000”. “Carmageddon” foi retirado das lojas. Seu segundo capítulo, “Carpocalypse Now”, foi lançado em 1998 e teve o mesmo destino no Brasil.

O papel de Frankenstein foi originalmente oferecido a Peter Fonda, que considerou o filme demasiado ridículo.

Explicando por que assumiu o papel do piloto Frankenstein, David Carradine disse: "Eu comecei esse filme duas semanas depois que terminei a série "Kung Fu", e que passou a ser essencialmente a minha imagem (o chinês). A idéia realmente era: Número um, se quiser um pé fora das séries televisivas, é melhor fazer um filme de imediato ou pode nunca chegar a fazer um. E a segunda coisa era a possibilidade de fazer uma coisa que iria criar a imagem de um monstro para me livrar do personagem chinês que interpretava a quatro anos. E, você sabe, ele deu o pontapé inicial da minha carreira cinematográfica. " Como muitos já sabem, David Carradine morreu recentemente (9 de junho) sob uma nêvoa de mistério num quarto de hotel em Bangcoc...

Foi definitivamente um grande ator dos filmes "B", merecidamente homenagiado por Quentin Tarantino em "Kill Bill". Ele vai fazer falta nas telas...

SOBRE O DVD: infelizmente o longa-metragem ainda não foi lançado no Brasil. Pelo que sei, foi lançado nos EUA e na Europa, na "Early Films Collection", em uma edição com alguns poucos extras. Para quem é fã e gostaria de ter esta preciosidade em DVD entre em contato. Possuo uma versão do DVD-região 2 com legendas em português (rub.records@yahoo.com.br)

TRAILER ORIGINAL DE DEATH RACE 2000

“GHOST WORLD – Aprendendo a Viver” (EUA, 2001)

2009-06-08T09:48:00.000-07:00

Depois de terminarem o segundo grau, as adolescentes Enid (Thora Birch, de “Beleza Americana”) e Rebecca (Scarlett Johansson) debruçam-se sobre o que vão fazer da vida, considerando arranjar empregos e alugar juntas um apartamento, mas as realidades da vida adulta parecem querer afastá-las.

Ghost World é a adaptação do “comic book” underground de Daniel Clowes, o qual co-escreve o argumento com o diretor Terry Zwigoff, conhecido pelo seu documentário sobre o cartunista Robert Crumb.

O filme mostra um olhar incomum sobre os nerds e os perdedores que, apesar do seu potencial, acabam por ser sempre ignorados ou desprezados e, por isso, são quase invisíveis, como fantasmas. Com uma vida social praticamente nula, tornam-se gradualmente incapazes de estabelecer laços e relações com os as pessoas "normais" que as rodeiam, passando a habitar áridas esferas de solidão.

Apesar da história acompanhar duas adolescentes que acabam de terminar o segundo grau – centrando-se sobretudo em Enid, a partir de certa altura – o filme (e o quadrinho) não devem ser confundidos com o gênero muito popular da comédia americana de (e para) adolescentes.

A visão do mundo que nos apresenta, tem lá os seus momentos de humor, mas é extremamente irônica, pessimista e consistentemente sombria (apesar de algumas variações da cor do cabelo de Enid!). É justamente essa combinação pouco provável que afasta Ghost World de qualquer outra coisa semelhante a “American Pie”.

Entre trabalhar, entrar na universidade ou tentar arrumar um namorado, Enid opta por… nenhum dos três! Aliás, não só ela, mas também Rebecca.

O cotidiano das duas se resume a fazer planos para sair das casas dos respectivos pais e soltar, uma atrás da outra, tiradas e trotes ácidos sobre quem estiver por perto, conhecido ou não. Enid é uma pessoa solitária e irascível demais para manter relacionamentos de qualquer natureza.

O comportamento de Enid, ao longo do tempo, transforma a garota em alguém que o pai (Bob Balaban) e os amigos não compreendem.

Ela não é preguiçosa e nem tem medo de trabalhar, como Rebecca imagina. Tampouco é chata, como a maioria das pessoas que convivem com ela pensa, apesar do senso de humor volátil. Lésbica, como alguns acreditam? De jeito nenhum. Enid é apaixonada por Josh (Brad Renfro), rapaz que trabalha numa loja de conveniência, mas sua maneira de demonstrar amor é passar pelo posto onde ele trabalha, todo dia, e deixá-lo enfezado com brincadeiras irritantes. Seu jeito bruto, birrento e desleixado engana todo mundo. Ninguém a entende.

Com a exceção de Rebecca, a única outra alma no mundo com quem Enid simpatiza é Seymour (inspiradamente interpretado por Steve Buscemi), um colecionador de discos raros de blues que passa os dias num emprego burocrático e gasta as horas livres imaginando o que fazer para conquistar uma mulher, qualquer mulher. Como ela, Seymour é um pária que sofre de completa inadaptação social, com o agravante de que é menos inteligente, e portanto possui ainda menos facilidade para lidar com o problema – e é exatamente essa característica dele que mais atrai a garota. Em um filme normal de Hollywood, dois personagens assim estariam fadados a se apaixonar, apesar da diferença de idade. Não em “Ghost World”, cujo enredo segue por um caminho impossível de antecipar.

Com fotografia que deixa o mundo de Enid com um clima deprimente de subúrbio proletário, a cargo do brasileiro Affonso Beato, Terry Zwigoff criou uma pequena obra-prima. Usando de humor adulto, o diretor aborda a dura realidade das pessoas com dificuldade de adaptação social, de uma maneira que jamais soa arrogante, professoral ou amarga. Sim, há um clima evidente de melancolia que perpassa todo o longa-metragem, mas esse é exatamente o estado de espírito de Enid – alguém que sabe rir dos percalços que enfrenta, mesmo quando algo inesperado piora um instante que parecia não poder piorar. Como se não fosse suficiente, Zwigoff ainda criou um dos figurantes mais interessantes dos últimos tempos, na figura do velhinho que espera diariamente um ônibus vermelho cuja linha foi alterada – o que significa que o ônibus jamais passa. E o final do filme é imprevisível, alegórico e maravilhoso.

Enquanto a direção de Zwigoff não interfere com o material, mantendo-se fria e sóbria, permitindo ao espectador tirar as suas conclusões e decidir o que tem ou não tem graça.

Mesmo para quem não tenha lido o quadrinho, Ghost World é um filme que aborda as dificuldades de integração no mundo dos adultos, por parte de duas adolescentes que nunca se integraram no mundo dos adolescentes. Grande parte do mérito do filme está na sua despreocupação com o realismo, de forma que Enid e Rebecca, assim como todos os personagens que as rodeiam parecem estar irremediavelmente deslocados.

Outro aspecto fascinante do filme é a sua trilha sonora, que reflete bem a nostalgia dos personagens em cena. E a música é personagem também pois Seymour é colecionador de discos. Como já devem ter percebido que sou um fã incondicional do filme confesso também que adquiri o CD.

Mas dentre as faixas, que contém blues, jaz e outras maravilhas, encontrei o som de Skip James, com sua pérola "Devil Got My Woman". Nehemiah Curtis "Skip" James nasceu em 1902 e nos anos 20 gravou seus primeiros blues. Mas em meio a "Grande Depressão" os discos não venderam bem e James abandonou a música, só voltando a gravar muito tempo depois, nos anos 60, quando redescoberto pelos experts. O Blues de Skip é tão bom que tive que adquirir também o seu CD!

O universo de Ghost World é um fenômeno à parte. O criador do quadrinho Daniel Clowes não só ajudou na criação de um site exclusivo (www.ghostworld-themovie.com) como também criou alguns "brinquedos" temáticos do filme, como a boneca "Enid com acessórios". Impressionante!

SOBRE O DVD: A editora LW lançou o filme no Brasil. Não há extras verdadeiros, mas apenas escassas biografias dos atores. Como já está fora de catálogo, tive que vender minha alma para conseguir essa pérola...

THX 1138 (1971)

2009-05-16T08:58:00.000-07:00

O primeiro filme dirigido por George Lucas (de Star Wars) é uma obra arrebatadora que transcende o gênero da ficção científica. A supressão do indivíduo pelo totalitarismo do sistema ganhou uma dimensão nova nesse filme. E não é dificil notar as profundas influências de célebres obras como "Admirável Mundo Novo" de Aldous Huxley e "1984" de George Orwell. Lucas foi muito corajoso em fazer sua estréia no cinema com um filme tão "experimental" para a época. As cenas são filmadas com maestria, os ambientes são minimalistas e a linguagem do filme é quase documental.

No futuro vislumbrado no filme, ciência e tecnologia são utilizadas como poderosos instrumentos de dominação, conformismo e alienação.

A sociedade vive em cidades subterrâneas controladas por computadores, onde a dimensão moral estatal, a religião, o mercado e a consciência dos sujeitos parecem ter se fundido em uma unidade. Consumo e trabalho, assim como as pessoas, são massificados. Não há nós e eles, apenas nós. Nomes, claros sinais de individualismo, foram abolidos.

As pessoas são classificadas por letras e números. Uma sociedade de autômatos humanos onde todos vestem idênticos uniformes brancos. Todo o individualismo é suprimido, as manifestações de amor são proibidas e a reprodução é feita em laboratório. A afetividade foi banida e o consumo de drogas entorpecentes é obrigatório.

As máquinas e computadores são onipresentes e andróides sem rosto zelam pela segurança e pelo cumprimento das leis.

Neste mundo, cada pessoa compartilha um cubículo com um parceiro compatível escolhido pelos computadores. Todos os cidadãos, trabalham muito, desempenhando à perfeição suas funções, sem oscilações, sem questionamentos.

THX 1138 (Robert Duvall) é mais um desses cidadãos sem nome, carecas e sempre de branco nesta sociedade branca.

Técnico de uma fábrica de robôs, ele vive a rotina normal de todos os habitantes, que inclui a confissão com uma entidade religiosa cibernética e o consumo rotineiro de drogas para manter-se"equilibrado".

Quando sua companheira LUH 3417 (Maggie McOmie) pára de tomar suas drogas, substitui também as de THX por pílulas inativas.

Os sentimentos despertados fazem com que se apaixonem. Em seu novo estado de percepção, o casal decide fugir do subterrâneo e isso acaba levando-os à prisão por "crimes sexuais" e "evasão de drogas".

O comportamento socialmente esperado é mantido à base de um conjunto de procedimentos médicos que lançam mão de poderosas drogas terapêuticas.

Aqueles que não se alinham terapeuticamente sofrem as sanções do Estado e das massas. Ou se reabilitam, ou reciclados (leia-se "mortos").

Não é um filme fácil de se digerir. O painel de opressão, frieza e alienação pintados em THX o tornaram imediatamente um exemplar do cinema autoral, uma obra de arte cinética, que nada tem a ver com entretenimento.

Em THX, ataques de consciência podem levar o sujeito a buscar apoio e conforto em uma espécie de confessionário computadorizado. A confusão mental é dissipada com palavras suaves, pausadas e motivadoras de um computador. O ato de confissão católica nunca mais será a mesmo depois de vê-lo reimaginado nesse filme. Consumo, religião e trabalho são mesclados e transformados em formas de alienação das massas.

Do ponto de vista estético, THX 1138 é um triunfo, construído a partir de composições e ângulos de cena ousados e originais, com uma cinematografia espetacularmente calcada na cor branca. A prisão onde o personagem principal é conduzido é um exemplo, uma espécie de 'nada' branco sem paredes, opressivo como nenhuma outra prisão com grades poderia ser.

Opressivo é, na realidade, o tom que parece exalar de todas as tomadas do filme. Visualmente o filme é minimalista e essa é uma de suas virtudes. O branco reforça o ambiente estéril e frio, transmitindo o isolamento entorpecente deste mundo futuro.

George Lucas, queria originalmente filmar o filme no Japão, pois a sua visão única de ordem social, autoritarismo e consumismo encontraria forma na arquitetura do japão moderno. Apesar de não poder ir ao japão, Lucas foi criativo e soube aproveitar excelentes locações reais como o "Marin County Civic Center" da Califórnia, projetado pelo arquiteto Frank Lloyd.

Partindo de um curta-metragem concebido pelo próprio George Lucas durante a faculdade, o conceito desta ficção científica de difícil assimilação tinha a intenção (segundo o mesmo) de colocar na tela o modo como Lucas enxergava a sociedade da época.

THX 1138 foi produzido pela American Zoetrope, estúdio fundado por Francis Ford Coppola. Realizado de forma completamente independente, como ditavam as idéias por trás do novo estúdio, o filme acabou sendo depois mutilado pela Warner, que simplesmente detestou o produto obtido com o financiamento inicial fornecido e cortou a verba de distribuição e divulgação a quase nada.

Curiosidades: Quando George Lucas viveu na região da baía de San Francisco, onde as cenas dos túneis foram filmadas, um dos seus números de telefone era 849-1138. THX corresponde às letras encontradas nos botões 8, 4 e 9 do teclado do telefone. A empresa cinematográfica de sistemas de som THX Ltda foi fundada pela Lucasfilm e foi batizada após este filme. THX oficialmente significa “Tomlinson Holman’s eXperiment”.

Parábola amarga, "THX 1138" faz uma avaliação do perigo da crescente dependência de tecnologia em nossas vidas. Mas o diretor não abandona a crença de que, mesmo o homem mais comum é um rebelde. E apesar de todos os aparatos tecnológicos de sedação e controle, THX 1138 se revolta contra o sistema e recobra sua consciência.

A claríssima cinematografia é uma revelação. Os personagens e suas múltiplas camadas são maravilhosos. Donald Pleasence é simplesmente assustador. A forma como as tomadas são lentas em cada cena em vez da contemporânia enxurrada de cortes é um alívio. E a temática extremamente adulta do filme não é o que se esperaria do George Lucas de hoje. Sucinta a pergunta de porque o Sr. Lucas não continuou a explorar temas tão complexos em seus filmes posteriores.

SOBRE O DVD: Em 2004 George Lucas remontou o filme em seu formato original, acrescentou cenas excluídas, remasterizou-o digitalmente em formato Widescreen e lançou a Versão do diretor em DVD duplo, também lançado aqui no Brasil. Além do filme, o DVD inclui comentários do diretor e do produtor de som Walter Murch, trailers e documentários. Há também o curta original "Labirinto Eletrônico: THX 1138 4EB". A crítica e os fãs de Lucas reagiram positivamente.

PAGUE PARA ENTRAR, REZE PARA SAIR (EUA): 1981

2009-05-08T23:15:00.000-07:00

Um clássico do terror do cineasta Tobe Hooper, "Funhouse", que aqui no Brasil ganhou o título de “Pague para entrar, Reze para sair”. A vocação para cult pode ser vista logo nos primeiros minutos, com referências aos clássicos como Halloween e Psicose. É bastante óbvio que o filme foi feito para agradar aos fãs do gênero. Acho que naquela época não tinham aquelas pesquisas de público alvo, penetração de mercado, testes de audiência, redução de faixa etária para abarcar mais público... e toda essa bobagem que simplesmente acabou o cinema de terror de hoje....

A ingênua Amy (Elizabeth Berridge), a protagonista do filme, toma banho e exbibe toda sua juventude logo na primeira cena...

...Mas o que ela não sabe é que está sendo observada. A paródia ao psicose é óbvia, com o susto que Amy leva do seu irmãozinho e sua faca de borracha!

Amy vai ter um encontro essa noite. Seu preocupado pai lhe diz: "São quase 9 da noite, aonde vocês vão hoje? Só não quero que vá a esse parque. É o mesmo dos assassinatos em Fairfield há um ano, onde encontraram os corpos de duas garotas no rio!" Relutante, Amy responde: "Vamos ao cinema"

Mentirosa...

Ela então sai tarde da noite (9hs!) para se encontrar com seus igualmente jovens e impetuosos amigos. São no total quatro no grupo, dois casais formados por Amy, seu namorado Buzz (Cooper Huckabee) e o outro casal amigo que é Liz (Largo Woodruff) e Richie (Miles Chapin). Amy, indiscutivelmente é a boa menina que recusa o baseado que lhe é passado na roda, é virgem e se ofende quando se referem ao seu pai como sendo o seu “velho”. Já Liz, a outra garota do grupo é bem mais aberta, de certa forma um oposto de Amy e parece bem favorável ao sexo e às bolinações antes do casamento.

Richie, namorado de Liz, é o típico fanfarrão que adora sair para se divertir com a turma e que queima seu baseado até a ultima ponta! Aliás, ele fuma muitos desses durante o filme.

Que saudade destes tipos bonachões que vivem a vida intesa e inconsequentemente! Porque será que os melhores personagens são sempre os primeiros a morrer com um golpe de machado nos filmes de terror?

No parque, os quatro jovens começam a diversão. Mas apesar da euforia, já fica claro que o parque têm algumas pessoas bem sinistras....

Como o “Freak Animals Alive”, uma espécie de exposição de vacas e bois com alguma deformidade. Em meio a essas “atrações” há um feto deformado em um pote de vidro numa parte discreta do lugar. Quando lembro desse Freak show, me dá um arrepio na espinha... Quando vi esse filme pela primeira vez eu era criança e a essa altura já estava apavorado...

Ah, que divertido. Se no Playcenter tivessem fetos deformados em jarros eu iria lá! E tenho certeza que o Cris Carter, criador da série Arquivo X, bebeu desse jarro!

Bem, só tinha coisa esquisita no parque e era realmente de se surpreender que as pessoas fossem divirtir-se ali.

Mas minha atração preferida era a “Girls, Girls, Girls” que nada mais era que um palco fechado só para adultos em que "lindas" garotas ficavam seminuas, expondo-se para um publico torpe, sedento e embriagado...

E obviamente chegamos a Funhouse (trem fantasma), um daqueles brinquedos em que um carrinho conduzido sobre trilhos leva as pessoas a vários ambientes macabros, para dar-lhes alguns sustos.

O mais bizarro da Funhouse era aquela boneca "gordinha" sentada sobre a entrada...

Depois de fumar outro baseado até o talo, Richie tem uma idéia brilhante (lembrem-se que esses jovens querem diversão sem limites!) de ir a Funhouse, e ao invés de permanecer no carrinho até o final da atração, se esconder dentro do trem fantasma e passar a noite por lá "curtindo o escurinho".

O plano dá certo e a princípio, tudo parece bem divertido quando os casais aproveitam o lúgubre local para suas felações adolecentes (acho que não existiam motéis naquela época). Mas o "clima" é interrompido quando descobrem que há um quarto visível entre as tábuas que formam o chão. Lá, um homem fantasiado de Frankestein (que é funcionário da Funhouse) recebe a glamurosa vidente do parque, que de vez em quando presta um serviço extra por assim se dizer, para os homens solitários que não conseguem uma namorada. E o que parecia um simples programa termina em assassinato e os jovens entram numa enrascada. Eles são descobertos e acabam perseguidos pelo terrível e "montruoso" assassino.

Tobe Hooper é o tipo de cineasta que trabalha de uma forma muito pessoal e sempre se preocupa com a atmosfera de seus filmes. No Funhouse o diretor queria um visual que lembrasse parques de diversão dos anos 40 e 50 com estilo "carnival", aqueles com muitos bonecos fantasiados. A produção do filme encontrou em Akron, Ohio um parque assim e toda sua estrutura foi desmontada e remontada para as filmagens em Miami, Flórida. A maioria das cenas externas foram feitas sem iluminação especial o que garantiu o visual marcante do filme, tudo muito colorido, mas também cheio de sombras.

A criação dos efeitos especiais de maquiagem foi de Rick Baker (Guerra nas Estrelas, King Kong, O Incrível Homem que Enconlheu, Greystok, a Lenda de Tarzan). "O roteiro dizia apenas que ele era como um troll", relembra Baker, uma coisa que vive na escuridão abaixo da funhouse. Por isso, gradualmente Baker desenvolveu uma espécie de mitologia para a criatura, como sua história pregressa que não conhecemos no filme. Há um paralelo muito interessante entre sua criatura e as atrações do show de horrores do parque. Como as vacas do show apresentam rostos duplicados, assim o é também com a criatura. Rick Baker concebeu um monstro perfeito para o filme, algo muito feio, mas estranhamente simpático.

O mostro foi interpretado pelo ator de teatro Wayne Doba que deu a criatura uma humanidade inesperada, com um misto de tormento, loucura e violência contidas. E o cara era assustador mesmo! E tinha dois narizes! Se bem que as mãos eram um pouco engraçadas... mãos gordas!

SOBRE O DVD: A NBO Entertainment prometeu lançar no Brasil a versão em DVD. Não existe uma data ainda específica para o lançamento. Como não pude esperar, é claro, consegui uma versão do DVD região 1 com legendas em portugues adicionadas. Se alguém tiver interesse nessa pérola do cinema de terror, entre em contato (rub.records@yahoo.com.br).

AS 7 FACES DO DR. LAO (EUA): 1963

2009-05-04T10:22:00.000-07:00

Certa vez, uma amiga, surpresa com a quantidade de filmes que tenho me perguntou, séria, se eu realmente "via tudo aquilo mais de uma vez". Bem, poderia ter lhe dito que ao colecionador lhe basta a coleção em si e sua raridade. Mas não são essas as minhas razões. Argumentei que conseguia esses filmes antigos para, de alguma forma, vê-los novamente com os mesmos olhos de quando os assisti pela primeira vez. Para lembrar de minhas impressões, surpresas e medos despertos pelo filme. Acredito que rever um filme que nos marcou é um convite a uma viajem no tempo, uma redescoberta de como éramos e de como nos parecia o mundo àquela época. Para mim, um bom filme ou um bom livro, são como marcadores em nossas vidas, bóias sinalizadoras em nosso oceano de memórias. Saber o que nos impressionou, nos marcou e influenciou é fundamental para sabermos no que nos tornamos.

Disse tudo isso porque "As Sete Faces do Dr. Lao" é um destes filmes que não se fazem mais. Ou talvez destes que se fazem a cada 10, 20 anos. Tão enigmático quanto elementar, o filme se desdobra, e mesmo sendo supostamente destinado ao público infantil, me deixa maravilhado até hoje.

O filme começa quando o circo do "Dr. Lao", um simpático chinês de 7322 anos, chega à cidade de Abalone, no Arizona. O misterioso Dr. encontra uma população atormentada e ameaçada pelo inescrupuloso rancheiro Clint Stark, que deseja comprar “à força” todos os imóveis do local.

O circo chinês traz “atrações únicas, nunca vistas antes” que causam um enorme alvoroço na empoeirada cidadezinha. Mas o problema de Abalone não é apenas o rancheiro Stark. Na verdade grande parte da população está contaminada por valores morais distorcidos. Apenas Ed Cunningham, repórter de um pequeno jornal, mostra-se um homem de bom coração. Ed é apaixonado por Ângela Benedict (Barbara Eden), uma bibliotecária viúva que se afastou dos homens após a morte do marido. Ele dedica sua carreira a defender o povo, enfrentando o poderoso Stark e denunciando os seus podres.

O filme tem um visual belíssimo, cujos efeitos em stop motion de Jim Danforth renderam uma indicação ao Oscar de Efeitos Especiais. Mas “Dr. Lao” ganhou um prêmio honorário (para uma categoria que não existia) de melhor maquiagem, pelo trabalho de John Tuttle (acima). Na história do Oscar, somente outro filme levaria um prêmio semelhante: "O Planeta dos macacos”, quatro anos depois.

Com roteiro de Charles Beaumont inspirado no livro de Charles G. Finney, “As sete faces do Dr. lao” foi o último trabalho do cineasta George Pal (ao lado), conhecido pela direção do clássico "A Máquina do Tempo" (1960). Pal também produziu o sucesso "A Guerra dos Mundos" de 1953.

Um dos cartazez que o Dr. afixou pela cidade. Curiosamente, ele não usou martelo para a empreita. Os pregos eram "soprados" direto de sua boca! Embora considerado um clássico do cinema hoje, o filme não agradou a todos na época de seu lançamento.O visual era muito arrojado e as atrações do Dr. Lao pareciam um tanto ameaçadoras.

"O mundo inteiro é um circo
se você souber olhar para ele.
Como o sol se põe quando você está cansado
e nasce quando você levanta.
Isso é mágica de verdade.
O modo como uma folha cresce.
O canto dos pássaros.
Como o deserto fica à noite, quando a luz da lua o envolve.
Oh, meu garoto...
isto é circo bastante para qualquer um.
Sempre que você vê um arco-íris
e seu coração se maravilha com isso.
Sempre que você pega um punhado de areia,
e não vê areia, mas sim um mistério,
uma maravilha em sua mão.
Toda vez que você pára e pensa:
Estou vivo, e estar vivo é fantástico!
Sempre que algo assim acontece,
você é parte do Circo do Dr. Lao."
(Dr. Lao)

SOBRE O DVD: infelizmente as distribuidoras brasileiras não se interessaram em lançar o filme por aqui. A Warner lançou nos EUA um DVD simples com extras: trailler e um documentário sobre os efeitos de maquiagem do filme intitulado: "Willian Tuttle: king of the duplicators". Se alguém tiver interesse, possuo uma cópia em DVD com legendas em portugues e a inesquecível dublagem clássica brasileira, inserida como mais um canal de áudio (rub.records@yahoo.com.br).

UM POUCO MAIS SOBRE "AS 7 FACES DO DR. LAO":

ALUCINAÇÕES DO PASSADO (EUA): 1990

2009-05-03T18:05:00.000-07:00

Este não é um filme de guerra, apesar da abertura. O tema do trabalho do diretor Adrian Lyne é o tênue limite entre sonho e realidade. O pesadelo recorrente de Jacob Singer (Tim Robbins) com o ferimento de guerra que lhe atingiu, alguns anos antes, é apenas o primeiro de uma série de eventos sinistros e inexplicáveis que dão a impressão de que ele pode estar ficando louco. Ainda atordoado após o sonho ruim, ele percorre ao vagões desertos. É madrugada. Jacob desce na parada seguinte e descobre que a única saída aberta encontra-se do lado oposto da linha férrea. Ele tenta atravessá-la e quase é atropelado por um trem. Aterrorizado, percebe que silhuetas com rostos desfigurados, como demônios, o observam de dentro dos vagões. Como explicar a visão macabra? Ele realmente viu aquelas sombras, ou apenas as imaginou? Esse é o prelúdio de uma história assutadora e imprevisível.

A atmosfera sombria permeia todo o filme. Como a cena nos subterrâneos do metrô...

E as visões aterradoras de Jacob têm início. Rostos desfigurados o encaram de dentro dos vagões...

Jacob é um personagem fascinante. Traumatizado com a guerra, ele retornou aos EUA outro homem. Dono de um doutorado em Filosofia e pai de duas lindas crianças de um casamento feliz, ele jogou tudo para o alto. Abandonou a família para casar com uma carteira, e o apartamento chique em Manhattan, onde vivia, para morar em um moquifo no Brooklyn, bairro de classe média baixa habitado por criaturas da noite. Quando o vemos pela primeira vez, no metrô, Jacob está lendo o romance “O Estrangeiro”, de Albert Camus. A leitura é uma informação importante para compreendermos o homem que ele é, suas motivações e seus traumas. Jacob é um personagem sólido. Infelizmente, o mesmo não se pode dizer de sua sanidade.

Interpretado por um Tim Robbins quieto, calado e com um sorriso inocente, Jacob é um mistério que vai sendo revelado aos poucos. O filme, porém, é muito mais do que ele, e para compreender o que está se passando com a mente do sujeito é preciso saber “ler” as pistas enviadas pela exímia direção de Adrian Lyne. Os nomes bíblicos dos personagens (Jezebel, Gabriel, Sara, Paulo) informam ao espectador que há mais no quadro pintado pelo filme do que conseguimos ver. Em determinado momento, Jacob começa a suspeitar que possa ter sido vítima de alguma experiência secreta com drogas durante a guerra (droga cujo codinome é "a escada")...

O diretor inglês Adrian Lyne se inspirou nas pinturas de Francis Bacon e no livro "A Divina Comédia" para compor o filme. Com 22 anos de carreira, recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Diretor, por "Atração Fatal" (1987).

SOBRE O DVD: infelizmente o longa-metragem ainda não foi lançado no Brasil. Pelo que sei, foi lançado apenas na Região 1, pela Fox, em uma edição simples com os seguintes extras: há um comentário em áudio do diretor, um pequeno documentário de bastidores ("building Jacob's Ladder") e um segmento de cenas eliminadas da edição final. Para quem é fã e gostaria de ter esta preciosidade em DVD entre em contato. Possuo uma versão com legendas em portugues (rub.records@yahoo.com.br)